2022年10月14日金曜日

CCR、1970年ロイヤル・アルバート・ホールでの幻のライヴ発表。




<CCRのライヴ最高傑作と言われるロイヤル・アルバート・ホール>


クリーデンス・クリアウォーター・リバイバル(CCR)のライヴ・アルバム
Creedence Clearwater Revival At The Royal Albert Hall」が
発売された。

1970年4月14日ロンドンのロイヤル・アルバート・ホールでのライヴ音源を
収録したものであるが、これまで幻の存在と言われていた


               


それって発売されてたんじゃなかったっけ?と思う方も多いだろう。
確かに1980年に「The Royal Albert Hall Concert(邦題:ライヴ・イン・
ロンドン'70)」というアルバムがリリースされている。

実は1970年1月31日カリフォルニア州オークランド・コリセウム公演のライヴ
音源を間違えて発表してしまったことが、発売後に判明。
アメリカのレコード会社がWE GOOFED!(やっちゃいました!)と書かれた
ステッカーを貼って店頭に並べた、という逸話がある(笑)

(このアルバムは現在「The Concert(ザ・コンサート)」と改題されている)



本物のロイヤル・アルバート・ホールの音源はマルチトラック・テープのまま
(一度もミックスダウンされることなく)ロンドンの倉庫で約50年間保管さ
れていた

半世紀の時を経て日の目を見ることになった貴重なテープは、ビートルズの一
連のリミックスを手がけたプロデューサーのジャイルズ・マーティンとエンジ
ニアのサム・オケールによって、丹念にレストア(復元)され、ミックス(1)
マスタリングが行われた。(2)


(収録曲)
1. Born on the Bayou
2. Green River
3. Tombstone Shadow
4. Travelin’ Band
5. Fortunate Son
6. Commotion
7. Midnight Special
8. Bad Moon Rising
9. Proud Mary
10. The Night Time Is the Right Time
11. Good Golly Miss Molly
12. Keep on Chooglin’


12曲で45分前後は短いように思えるが、当時はこれくらいが普通だったのか。
Suzie Q、I Put A Spell On You、Down On The Corner、Who'll Stop 
The Rainは演奏されなかったのか、録音されたが編集でカットされたのか?

(尚、このコンサートが行われた1970年4月時点でHave You Ever Seen 
The Rain、Hey Tonight、Sweet Hitch-Hiker、Someday Never Comes
はまだリリースされてない)


さっそく全盛期のCCRの臨場感満点のライヴを聴いてみよう。



↑写真をクリックすると「Bad Moon Rising」が聴けます。


おそらく8トラックで録音されたのではないかと思う。
アメリカから機材を持参したのか、ロンドンで調達した(3)か分からないが。
ギター2台、ベース、ドラム、ボーカル、コーラス、観客に1トラックずつ
割り当てられている。

センターにドラム、ベース、ボーカル。
左右にギター2台を振り分ける、ときわめてオーソドックスなミックスだ。
それしかやりようがない。
御大ジャイルズ・マーティンが手がけるまでもない、とも言えなくもない。


それでもワイルドで野太い音どっしりとしたバンドの一体感のある音が
再現されていて、CCRの迫力あるステージを擬似体験してる気分に浸れる。



CCRが他のバンドと違うのはレコードと同じ音をステージで出せる点
それは彼らの演奏力の証であるが、裏返せばレコーディング自体がライヴ
と同じシンプルな4人編成で行われているということだ。

CCRの音楽はいい意味で原始的なロックであり、それゆえ聴く人を喜び
と興奮へと駆り立てるのだろう。特にライヴでは。





11月に2CD+Blue-Ray+2LPのボックスセットも発売されるらしい。
(CD2は本CDに収録されてない曲が聴けるのか?別な日の公演収録か?
Blue-Rayは映像ではなくオーディオと思われる)



また本作に合わせ北米とイギリスでは、ドキュメンタリー・コンサート
長編映画「トラヴェリン・バンド」が同時公開される。

映画はバンドの初期時代から名声を得るまでの急成長の過程を描いている。
豊富な未公開映像を含み、ロイヤル・アルバート・ホールでのライヴ映像
も初めて公開される。



↑写真をクリックすると「Proud Mary」のライヴ映像が視聴できます。




<なぜロイヤル・アルバート・ホールが最高傑作と言われるのか?>

CCRは1969年だけで3枚のスタジオ・アルバムを発表。
ウッドストック・フェスティヴァル、エド・サリヴァン・ショーにも出演。
シングル5枚、アルバム3枚がトップ10入りのヒット。


ローリングストーン誌は彼らを「最高のアメリカン・バンド」と評した。
商業的成功だけでなくCCRはアメリカのロックの象徴でもあった。







CCRはカリフォルニア出身だが、彼らの音楽は南部色豊かな泥臭いスワンプ
・ロック(4)であり、保守層やブルーカラーなど幅広い層に支持された。

100マイル走っても景色が変わらない国道をデカいアメ車を転がしながら、
あるいはハーレーに跨って、あるいは大型トレーラーを運転しながら聴くの
に最高の音楽だ。


CCRは海外でも売れた。
今ではあまり語られることが少ないが、日本でもCCRへの期待値がツェッペ
リンと同じくらい高く、ポスト・ビートルズと見做された時期があった。



                              (写真:gettyimages)


全米を代表するロックバンドとなったCCRは1970年春に初のヨーロッパ・
ツアーを行う。
彼らはロンドン公演をツアーの成功度を計る試金石と位置づけていた


ロンドンでの2公演はソールドアウト。4人の演奏も絶好調で観客は総立ち。
最後の曲が終わっても誰も帰ろうとせず、スタンディング・オヴェーション
が15分間も続いたという。(5)

翌日、タイムズ、NMEなど有力音楽誌は「CCRは世界で最も偉大なロック
ンロール・バンドであることを証明した」絶賛した。






ロンドン公演は彼らにとっては特別な意味を持つものだった。
CCRのドラマーだったダグ・クリフォードは次のように語っている。

「当時世界で一番人気があったのがビートルズ。我々は二番目だね。だから
勝手にライバル視して(ロンドン公演は)敵陣に斬り込むつもりでいた。
ビートルズに敬意を持ってたから、彼ら以上のライヴをやろうとしたんだ」


だが皮肉なことに、ロンドンに到着した彼らを待っていたのは「ビートルズ
が解散した」というニュースだった。4人はショックを受ける。
その結果ロンドン公演はエモーショナルなライヴ・パフォーマンスとなった。

前述の1月に行われたオークランドでのライヴの出来もいいが、ロイヤル・
アルバート・ホールの方がさらに良いライヴだった、とダグも認めている。




↑写真をクリックすると「Midnight Special」が聴けます。




<CCRの来歴、下積み時代〜4年の短い活動期間でヒットの連発>

CCRが大物バンドになる10年前の1959年、カリフォルニアのバークレー
でまだティーンエージャーだったジョン・フォガティ(g,vo)ダグ・クリフ
ォード(ds)ステュ・クック(b)による3人編成のバンドが誕生。

彼らは当時のヒット曲、ロックンロール、R&Bを演奏していた。
ジョンの兄、トム・フォガティ(g)が加入し4ピース・バンドとなる。




1964年、地元のジャズ系のレコード会社ファンタジーと契約するが、ゴリ
ウォッグス(「醜い男たち」の意味)(6)というバンド名を強要される。

人気はさっぱりで他の仕事で稼ぎながらの財政難のバンド活動であった。
1966年ジョンとダグの二人が徴兵され、バンドは解散状態に。






1967年、二人が兵役を終え戻りバンドは再結成された。
この時バンド名を「Creedence Clearwater Revival」と改める。


Creedenceは彼らの共通の友人の名前、ClearwaterはビールのCMから、
再結成のRevival、を繋げたものだが、当時カリフォルニアで長いバンド名
が流行っていた(7)影響もあるだろう。

そうした長い名前のバンド多くがサイケデリック、アート志向であったが、
CCRのサウンドはそれらと対極にある。
ストレートなロックンロールへの原点回帰であり、アメリカ南部の泥臭さ
そのブレない音楽性が受けたのかもしれない。







再デビュー曲「Susie Q」(デイル・ホーキンスのカヴァー)、スクリー
ミン・ジェイ・ホーキンズのカヴァー曲「I Put A Spell On You」はブルース
・ロックでサンフランシスコ・ベイエリアやシカゴのラジオ局でもオンエア
された。

「Susie Q」は全米11位を記録。
続く「Proud Mary」は全米2位のヒットとなった。
Bad Moon Rising、Green River、Down On The Corne、Travelin' Band、
Lookin' Out My Back Door、と全米2〜3位のヒットを立て続けに放つ

さらに、Fortunate Sun(14位))、Who'll Stop The Rain(13位)とB面曲
もヒットさせる、という快挙(8)も彼らは成し遂げている。






基本的に彼らはアルバム・セールスのバンドではなくシングル・ヒットを
狙うバンドだった
コンセプト・アルバム、アルバムで売って行くのが時流だった1970年代初
頭に、CCRはシングルを次々リリースしヒットさせるスタイルであった。
その点においても昔ながらのロックンロール・バンドだったと言える。


快進撃を続けたCCRだが、4年余りの活動で解散してしまう。
原因はほとんどの楽曲の作曲、ボーカル、リードギターを担当したジョン
・フォガティのワンマンぶりで、メンバー間の軋轢が生じたためだ。





1971年にはマネージャーも兼任していたトムが脱退(9)し3人編成となる。
7枚目のアルバム「Mardi Gras」(1972)では他メンバーが手がけた曲、
ジョン以外のボーカル曲を入れて再起を図る(10)が結局、解散した。

その頃にはツェッペリンが全米ツアーで動員記録を塗り替え、世界一のス
ーパー・ロックバンドとして君臨していた。




<コンサバティブな音楽性とリベラルなメッセージ性>

CCRがアメリカを代表する国民的人気バンドに上り詰めたのはなぜか?

超人的なテクニックやステージでの見せ場、見栄えはないものの、長い
下積みで培われた大地に根を生やしたようなどっしりした力強いロック
ンロールが聴衆の心を掴んだのだろう。



                            
↑写真をクリックすると「Good Golly Miss Molly」が聴けます (写真:gettyimages)



そして泥臭いサウンド、4人のいかにも労働者っぽい風貌は、多くのアメ
リカ人が抱く開拓者精神や郷愁など、心の琴線を動かした。

保守層、労働者階級(特にレッドネックと呼ばれる白人労働者)に受ける
ということは支持層が拡がるということだ。特に南部では票を獲得できる。


それにしてもカリフォルニア出身の4人がなぜサザンロックだったのだろう?
アメリカ人でもCCRは南部出身のバンドだと勘違いしてる人もいるらしい。

それを追求し始めると、カナダ出身のザ・バンドが何でサザンロックを?
LA出身のリトルフィートがなぜニューオーリンズ・ファンクを?という
出身地と音楽の紐付けの話になってしまう。(11)

CCRは泥臭い南部のロック、スワンプが好きで自然とそうなったのだろう。






サウンドは保守層受けするサザンロックだが、CCRの歌詞には反戦という
リベラルなメッセージ性もあった。

4人の出身地バークレーは反戦運動やヒッピー文化の発祥地であり、今でも
環境問題などリベラルな活動はサンフランシスコから始まると言われる。
出してる音は泥臭い南部の土の匂いがするが、思想的にはリベラルだった
のだろうか。

またジョンとダグの二人はメジャー・デビュー前に徴兵されている。
ベトナムで戦火を見たかどうか分からないが、その経験から反戦の立場を
取っていたのかもしれない。




↑ジョンはお得意のチェックのネルシャツにM-65フィールドジャケット。
当時、米軍放出品を着るのは退役軍人だけでなく、反戦の象徴でもあった。



Have You Ever Seen The Rain(雨を見たかい)」(1971年)は
全米8位のヒットとなった。


余談だが、高校で初めてバンドを組んだ時にこの曲をやった。
コードが簡単でテンポもゆったりしてるから初心者にはやりやすい曲だ。
が、CCRの重いグルーヴ感が出るわけない。青かったな>自分。。。


この曲が「ベトナム戦争の反戦歌である」という話は後から知った。
「雨」は米軍が爆撃で使ったナパーム弾のことを指してる、という説だ。
アメリカではいくつかの州で放送禁止になった。


作詞作曲者のジョン・フォガティ自身は反戦歌であることを否定している。

「ベイエリアでは陽が照ってるのに雨が降ってくることがある。
風が吹くと、ゴールデンゲート・ブリッジを超えてサンフランシスコ湾に
雨が飛ばされてくるんだ。

"Have you ever seen the rain coming down, sunny day?" 
この曲はCCRの崩壊についての歌だ。"sunny day"は黄金時代のCCR。
俺たちに雨が降りかかって来るのが見えたって言ってるわけさ」






ドラムのダグは「ひとつ前のアルバム(Cosmo's Factory)に収録された
"Who'll Stop The Rain"と混同されたのではないか」と語っている。(12)
(全米2位となった「Travelin' Band」のシングルB面曲として収録され、
この曲自体も全米13位を記録しAB両面ヒットとなった)


この曲の「雨」はニクソン政権によるベトナム空爆を指しているという。



Long as I remember,   The rain been comin' down
Clouds of mystery pourin'   Confusion on the ground
Good men through the ages,   Try'n' to find the sun
And I wonder, still I wonder,   Who'll stop the rain?

俺が覚えてる限りずっと雨は降り続いてる
わけの分からない雲のせいで地上は混乱してる
善人たちは何年も太陽を見つけようとしてきた
で、俺は思うんだ 今もね 誰がこの雨を止めるんだろう? 

      (作詞作曲:ジョン・フォガティ 拙訳:イエロードッグ)



 

↑写真をクリックすると「Who'll Stop The Rain」が聴けます。




<CCRの野暮ったさ=1970年代のアメリカのロックだった>

10代の頃、バイト先の先輩(彼は日本ビクターに就職が決まってた)
から「アメリカのロックは聴かないの?」と訊かれたことがある。
僕は「聴かないですね。なんかダサいじゃないですか」と答えた。

頭のどこかではCCRをイメージしていたんだと思う。
何で木樵みたいな服装をしてるんだろう?
ギターよりチェーンソーでも持ってた方が似合うんじゃないか?




↑ジョン・フォガティはどの写真を見てもチェックのワークシャツ。



ロンドンブーツでヘソ出しの英国バンド全盛の時期に、あれはないな、
いい曲もあったけど今は違うな、と思っていた。

先輩は「そんなことはない。アメリカのロックだってカッコいいぞ」
と僕を社員休憩室に連れて行き、ジュークボックスでイーグルスの
「One Of These Nights」を聴かせてくれた。

僕は自分の思い込みが間違っていたことを認めた。
それが転機で、ウエストコースト・ロックばかり聴くようになった。


服装に関してはニール・ヤングもイーグルスも同じようなものだった。
CCRと違うのはツギハギのベルボトム、より長髪、などヒッピーイズム
を感じさせる点。(グランジにも通じる)着崩し感があった。
それがアメリカのミュージシャンなのかもしれない。

ただしジェイムス・テイラーにしてもニール・ヤングにしても、後の
世代のカート・コバーンにしても、若さゆえにいい加減な服でもサマ
になっている、という面はあった。






その点CCRの4人はメジャーデビューした時点でオッサンっぽかった
シアーズとかランズエンドの通販かJCペニーあたりで買ってきたよう
な、おとうさんの休日的なカジュアル・ファッション。
そこが僕には「アメリカのロック=CCR=野暮ったい」と映った。

今ではそれも含めて、アメリカのロックならではの味わいと思えるが。


<脚注>

2022年10月4日火曜日

空飛ぶ円盤とU.F.O.とユーフォー。

今日は小ネタを。
先日のディスコ歌謡の記事を書いててふと思ったことを書きます。



みなさんは下の写真↓は何?と訊かれたらどう答えますか?





空飛ぶ円盤?
ほとんどの人がユーフォーと答えるのでは?


日本では一般的なユーフォーという呼び方。欧米では通じない。


いったい日本人はいつから、そしてなぜユーフォーと言うようになったのか?
これが今回のお題。戦後の音楽史を読み解きながら深掘りしたいと思う。




<空飛ぶ円盤のイメージ>

上の写真はアダムスキー型という最もよく知られている形状。
帽子型の円盤で底部に3つのドームが付いているのが特徴だ。
U.F.O.といえば即座に連想されるのがこの形だろう。

1950年代にジョージ・アダムスキーが撮影した写真(1)から、この形をアダム
スキー型円盤と呼ぶようになった。

アダムスキーは「宇宙人と遭遇した」と最初に主張した人物である。
着陸した機体から現れたのは金星人だったとか。(2)

この事件から「空飛ぶ円盤=異星人の乗り物」というイメージが定着した。




↑金星人が憑依した謎の美女(若林映子)。
「私は金星人です。地球はキングギドラに滅ぼされます」と警告する。
インタビューしてる後ろ姿は星由里子。
(映画「三大怪獣 地球最大の決戦」1965年 東宝 より)




↑ 地球襲来のためX星人が乗っていた円盤。
ゴジラとラドンもこの円盤でX星に連れて行かれてしまう。
(映画「怪獣対戦争」1966年 東宝 より)





<空飛ぶ円盤 ≠ U.F.O.(Unidentified Flying Object)>

以前、英語圏では「Fflying Saucer」という呼ばれ方をしていたらしい。
日本語の「空飛ぶ円盤」に近いかも。

一方「U.F.O.(Unidentified Flying Object 未確認飛行物体)とは地球で確認
された未知の飛行物体すべてを指すアメリカ空軍・海軍の公語である。

当局で把握できていない他国の航空機やミサイル、気象観測用の気球、人口衛
星の破片、あるいは鳥、流星などの自然現象も含まれる。(3)






<1960年代の呼び方は「空飛ぶ円盤」が主流>

U.F.O.は英語では「ユー・エフ・オー」と読まれる。(4)
日本では1950年代〜1960年代末まで、U.F.O.という呼称はあまり浸透せず、
未確認飛行物体は総括的に「空飛ぶ円盤」と呼ばれれるのが一般的だった。


1960年代は人々の宇宙、宇宙人など未知の世界への関心が高まった。(5)
少年漫画では近未来を描いたSF作品が人気で、宇宙船や宇宙人が登場。
「マグマ大使」(1965年連載開始)の悪役ゴアはコウモリ型円盤に乗って
襲来した。





宇宙から地球侵略のためやってきた異星人の乗り物=空飛ぶ円盤という認識
が一般的だが、地球人の乗り物として描かれた作品もあった。

1966年〜1968年に日本でも放送されたアメリカのテレビドラマ「宇宙家族
ロビンソン(原題:Lost in Space)」では、初の宇宙移民であるロビンソン
一家が軌道を外れ、目的外の惑星に着陸したことで遭遇する事件がテーマ。
ロビンソン一家が乗っていた宇宙船ジュピター2号は円盤型であった。





1970年〜1971年に日本で放送されたイギリスのSFドラマ「謎の円盤UFO
(原題:UFO)」では、タイトルを「なぞのえんばん ユー・エフ・オー」
と読んでいる。
「UFO(ユー・エフ・オー)」という言葉を一般人が知るきっかけとなった。






<1960年代に「空飛ぶ円盤」を歌った曲>

NHK「みんなのうた」放送開始の1961年4月〜5月に放送された「誰も知らない」
(谷川俊太郎 作詞、中田喜直 作曲)では「空飛ぶ円盤」と歌われている


谷川俊太郎の詞はシュールでおもしろい。


  お星さまひとつ プッチンともいで こんがり焼いて急いで食べたら
  お腹こわした オコソットノ ホ 誰も知らないここだけのはなし
 
   父ちゃんの帽子 空飛ぶ円盤 三日月めがけ 空へ投げたら
   返ってこない エケセッテネ ヘ 誰も知らないここだけのはなし




↑下が1961年版、上が1965年版の絵。どちらもアニメーションは和田誠。(8)
クリックすると「誰も知らない」(1965年版)が視聴できます。



曲はラグタイム・ジャズ調でテンションコードが効果的に使われている。
イントロにA aug(オーギュメント)(6)を分解して弾いてる点がミソ。

ヴァース(主メロ)のブリッジはD→D dim(ディミニッシュ)(7)を繰り返す。
これまた不思議感を醸し出すのに役立っている。


楠トシエのユーモラスな歌い方も楽しい。
そして和田誠によるアニメーションが温かみがあっていい。

子供向けの番組で子供向けの歌なのに、こんなに質の高いものを作るとは!
テレビ創世記、1960年代のNHKは本当にいい仕事してます。
評判がよかったせいか、1965年にリメイクして再放送されている。




<1970年代前半、空飛ぶ円盤→ユー・エフ・オーと変化>



1974年、日本のプログレッシブ・ロック・バンドの最高峰であった四人囃子(9)
が「一触即発」というアルバムを発表。(和製プログレの名作と評価が高い)


翌年、「空飛ぶ円盤に弟が乗ったよ」がシングルカットされる。

ギターとボーカルの森園勝敏が作曲、末松康生が作詞の才気溢れる曲。
シュールすぎる歌詞とダイナミックな曲構成とサウンドが当時は衝撃的だった。


 星も出ていない夜に 弟と手をつないで 丘の上に立っていると
 音もなく静かに 銀色の円盤が空から 降りてきたのさ 

 空飛ぶ円盤に弟が乗ったよ 空飛ぶ円盤に弟が乗った
 いつか映画で見たように 後はすすきが揺れるだけ (歌詞より抜粋)





↑クリックすると四人囃子の「空飛ぶ円盤に弟が乗ったよ」が聴けます。
「空飛ぶ円盤」としっかり歌っている。




1975年、沢田研二がアルバム「いくつかの場面」を発表。(10)

       


A面の最後に「U.F.O.」という曲が収録されている。
作詞は及川恒平(「面影橋から」の作者)、作曲はミッキー吉野。


 見よ!あの空 U.F.O.の隊列 見よ!あの空 夢の反乱だ
 飛べ!おまえも U.F.O.の隊列 飛べ!おまえも 夢の革命だ
                      (歌詞より抜粋)


この歌詞もシュールだ。
最後のリフレインで転調を繰り返しどんどんキーが上がっていくアレンジも
不思議な高揚感があってU.F.O.の雰囲気にぴったりだ。



アルバム「いくつかの場面6曲目の「U.F.O.」が聴けます。(18'50"〜)


この曲で沢田研二はU.F.O.をちゃんと「ユー・エフ・オー」と歌っている
おそらくこの頃、U.F.O.という文字情報も浸透し、「ユー・エフ・オー」
と読むのが一般的だったのだろう。




<1970年代後半、ユーフォーという呼称があっという間に拡がる>


U.F.O.をユーフォーと呼ぶようになったのはピンクレディーのあの曲のせい。
その後、日清焼そばUFOが発売・・・
と思っていたが、調べてみたら順番が逆だった。


日清焼そばUFO発売は1976年5月でピンクレディ・デビュー前。
呼称は「にっしんやきそばユーホー」。ユーフォーじゃなくユーホーですよ。





発売当時、日清食品はカップ焼そばジャンルでは後発だった。
差別化を図るため、業界初の丸い皿型容器を採用。
形状を想起しやすい「UFO」というネーミングを付け、未確認飛行物体
(U.F.O.)を意識した広告を行い、若者を中心に広い層を捉えた。





前年から永井豪作原作のテレビ・アニメ「UFOロボ グレンダイザー」が放送
されていた。
このタイトルで既にUFOを「ユーフォー」と読ませている。

当時、報道番組では「ユー・エフ・オー」と発音しているが、ワイドショー
やバラエティー番組では「ユーフォー」と呼ぶこともあったらしい。
U.F.O.の神秘性は剥ぎ取られて通俗化していた






ピンクレディーの6枚目のシングル「UFO(ユーフォー)」が発売されたのは、
日清焼そばU.F.O.発売から1年半後、1977年12月である。

デビュー以来続く阿久悠/都倉俊一コンビの曲で、翌年には155万枚を達成。
ピンクレディーのシングルとしては最大のヒット作品となった。(11)



↑都倉俊一と阿久悠。


阿久悠の作詞家稼業においてピンクレディーは最大の功績となる。
彼が詞を書いたシングル盤の売上げベスト10中5曲がピンクレディーなのだ。

「UFO」155万枚、「サウスポー」146枚、「ウォンテッド」120万枚、「モ
ンスター」110万枚、「渚のシンドバッド」100万枚。
特に「UFO」は阿久悠が作詞した6000曲弱の作品中、最も売れた曲である。





阿久悠がU.F.O.を歌詞の題材にしようと思ったのは、1977年8月に横尾忠則ら
とイースター島を旅行した際「空をよぎる不思議なモノを見た」からだ。
ピンクレディーの「UFO(ユーフォー)」発売はその4ヶ月後である。


既に発売されていた日清焼そばUFOのCMソングが作られ、ピンクレディー
自身も出演していた。。。タイアップだったのだろう。
CM露出量も多かったはずだ。相乗効果があったことは間違いない。



↑日清焼きそばU.F.O.のピンクレディーが出演してるCM(1978年)。
CMソングは新たに作られているが「ユーフォー」の決めポーズは流用してる。
(見た記憶がまったくない)




「UFO」がヒットしてる最中、1978年2月に映画「未知との遭遇」が、6月に
スター・ウォーズ」が日本公開されたこと、さらにこの年、インベーダー
ゲームがブームになったことも追い風になったと思われる。

1978年のレコード大賞は山口百恵の「プレイバックPart2」を破り、ピンク
レディーの「UFO」が勝ち取った。(12)



↑1997年、阿久悠とピンクレディー。



1978年を境に日本人の大半は宇宙から飛来する乗り物を「ユーフォー」と呼ぶ
ようになり、「ユー・エフ・オー」は絶滅危惧種となる。
さらにU.F.O.のピリオドも省略され、UFOと表記されるようになった。
「空飛ぶ円盤」は使われなくなり、レトロな言葉と化した。




<1980年以降も日本ではユーフォーという呼び方が主流>

1979年に映画「エイリアン」、1982年に映画「E.T.」が公開。

1985年UFOキャッチャー(ユーフォー・キャッチャー)の初代機が発売される。
景品を鷲づかみにするクレーン部分が「空飛ぶ円盤」のようだったことから
命名されたらしい。



1991年、原由子がピンクレディーの「UFO」をリメイク。
オリジナルの歌詞を加えて「UFO〜僕らの銀河系〜」として発表した。

1996年に映画「インデペンデンス・デイ」が公開。
1997年に映画「メン・イン・ブラック」が公開。
2005年に映画「宇宙戦争」(主演:トム・クルーズ)が公開。


2002年、ミスター・チルドレンが「UFO(ユーフォー)」をリリース。

2013年、クレイジーケンバンドが「円盤 - Flying Saucer -」を発表。
歌詞はフライング・ソーサー、謎の円盤、黒い円盤と懐かしい言葉が並ぶ。



空飛ぶ円盤とか、謎の円盤とか。
僕はこっちの方がしっくり来るんだけどなあ。



↑2020年4月、米国防総省は海軍機パイロットが撮影したU.F.O.映像を公開。


<脚注>

2022年9月23日金曜日

1970年代ディスコ・ミュージックが日本の歌謡曲に与えた影響。

ディスコ・ミュージックと日本の歌謡曲は親和性が高かった。
それは戦後の日本にアメリカ経由でラテン・ミュージックとダンスのブーム(1)
が押し寄せた時代の歌謡曲との関係に近いかもしれない。




またキングトーンズ、和田アキ子、青江三奈、尾崎紀世彦なども、R&Bと
歌謡曲の馴染みがいいことを証明した。

1970年代に入り、日本でもR&Bやファンクは赤坂のムゲン、あるいは六本木、
本牧、立川で一部のスノッブな遊び人の間で流行り始めた。

それがメジャーになったのは、フィリーソウルから始まった聴きやすく踊り
やすいソウル・ミュージックがヒットしたことと、ディスコが全国的に拡大
したことが背景にある

さらに日本の市場においては歌謡曲との蜜月裾野を拡げた。



ではディスコ・ミュージックが歌謡曲に取り入れられ始めたのはいつだろう?





1973年、沖縄生まれの5人兄弟、フィンガー5がお茶の間にヒットを連発。
グループ名は母親案だったが、ジャクソン5に影響を受けたのは確かだろう。
父親がAサイン(米軍公認)バーを営業してたため5人はアメリカ音楽で育つ。
上京してデビュー前は米軍基地で歌っていた。



↑本家本元、ジャクソン5の「I Want You Back」が視聴できます。
マイケル坊やの歌唱力がすごい!5人の動きも最高。




フィンガー5のデビュー曲「個人授業」の作詞は阿久悠、作曲は都倉俊一
♭2ndノート、7thノートとブルーノートを巧みに織り交ぜながらポップさ
をキープしてるところはさすが!の手腕。
サビの「できることなら」で一転してメロディック・マイナー・スケール
「Ha,Hahaha」はIII7コードの7thノートで締めヴァースのルート音に帰結。

振付(一の宮はじめ)がもろ歌謡曲で黒っぽさゼロな点が残念。
しかしデビュー・アルバムはR&B歌謡でなかなかがんばってる。



↑フィンガー5のデビュー・アルバムが聴けます。これがなかなか!
半分は洋楽の日本語カヴァー。ジャクソン5のあの曲も聴ける。




「恋のダイヤル6700」から作曲は井上忠夫に代わる。
この人は1960年前後のポップスやR&Rを匂わせるいい曲を作る。
リンリンリリン♪で始まるAメロは7thコードのスピード感あるR&B
が、サビの「あなたが好き」で腰砕けの歌謡曲メロになってしまう。
この曲も振付が同じくダサい。歌謡曲なんだからしょうがないか。


でも売れた。シングル3枚続けてミリオンセラーはすごい。
曲のテーマは学校での恋愛に一貫。

目新しさがなくなるとヒットが出ず、フィンガー5の人気は衰えて行った。
ハードスケジュール強制、変声期を迎えた晃に女性ホルモン注射を勧める、
キャラクターグッズの収益を事務所がピンハネ、と芸能界のブラックな面
が取りざたされた。
こういう歌手の消耗品的ビジネスモデルがまかり通っていたのだ。




阿久=都倉コンビはその前年、低迷していた山本リンダを「どうにもとまら
ない」「狙いうち」のセクシー・ダンス歌謡で復活させた
スリットの入ったローライズの黒のパンタロンにシャツの裾を胸で結んだ「
ヘソ出しルック」も当時話題になった。



       ↑山本リンダと
都倉俊一


「どうにもとまらない」はサンバのリズムを基調とした情熱的な曲。
当初候補に挙がっていたタイトルは「恋のカーニバル」だったらしい。

都倉俊一は単にラテンのリズムで仕上げなかった。
ギター、ベース、ドラムは8ビートロックで若さを出し、パーカッションで
16ビートのサンバのリズムを加える、という凝ったアレンジをしている。


「狙いうち」はウクライナ伝統のコサックダンスの2/4拍子の跳ね感がある
リズムで、随所に「ヘイ!」のかけ声。フラメンコっぽさも加わる。
リズムセクションはギター、ベース、ドラム。ストリングスとブラスが絡む。
サビでメジャーに転調。仕掛け〜ブレイクと複雑である。

阿久悠の歌詞は「きりきり舞い」「ウララ、ウラウラ」「じんじんさせて」
など連続音が多く、歌メロに乗ると独特のリズム感が増した。(2)
いずれもダンス・ミュージックと歌謡曲の融合であるがディスコではない。



2人はこの成功体験を活かし、1970年代後半に子供から老若男女まで国民的
な人気アイドルとなったピンクレディーを手がけ大ヒットさせている。



ピンクレディー都倉俊一、阿久悠


ディスコ・ブームの最中であったためか、ピンクレディーもその影響大と
思われがちだが、音楽的にもダンスの面でもディスコ・ミュージックに通じ
るものはあまりない

土井甫による振付はミュージカルのダンスに近いという印象だ。
阿久悠の歌詞のエグさ、都倉俊一の複雑なリズムを反映しキワモノ感が強い。


都倉俊一の曲は8分音符の連打でリズムを畳み込んでいくスタイルが基本。
シンコペーション(強弱拍を変化させる)もあればブレイクも仕掛けあるし、
3連が入ることもあり、スカのような後拍もあり、単純ではない。

ディスコでかかったら、踊るのが難しく困ってしまう曲ばかりだ。
つまり、その曲のためにカスタムで作られたダンスだからこそシンクロする
が、他の汎用的なダンスで合わせようとしても無理がある。


都倉俊一が手がけた一連のダンス歌謡は、山本リンダもピンクレディーも
ディスコ・ミュージックではない。(フィンガー5は微妙)




1970年代後半はディスコ・ミュージックに影響を受けた歌謡曲が量産された。



岩崎宏美の「シンデレラ・ハネムーン」(阿久悠/筒美京平)が聴けます。
ディスコ歌謡の最高傑作という評価も多い。
センチメンタル〜未来〜シンデレラ・ハネムーンとノンストップのダンス・
ミックスを作れば、ドナ・サマーみたいになりそうだ。(3)




浅野ゆう子の「セクシー・バス・ストップ」(橋本淳/筒美京平)が聴けます。
これも1970年代を代表するディスコ歌謡である。




上に挙げた2曲に代表されるように、ディスコ歌謡の主流は筒美京平作品
であり、もう一つの潮流はキャンディーズである。
そして、その両方にスリー・ディグリーズが関わっていた




キャンディーズの「その気にさせないで」(1975 作曲:穂口雄右)や「
ートのエースが出てこない」(1976 作曲:森田公一)「やさしい悪魔
(1977 作曲:吉田拓郎)はスリー・ディグリーズ日本版と言ってもいい。
ハモり方、コーラスの入れ方、手の動きも参考にしていたようだ。(4)




↑キャンディーズの「やさしい悪魔」が視聴できます。




3人はスリー・ディグリーズが好きでコンサートではカヴァーを披露している。
バックバンドのMMP(渡辺茂樹+スペクトラム)はホーンセクションが売りで、
ソウル・ミュージックで力を発揮した。
ナベプロも売れてる限りライヴは好きにやらせるという方針だったらしい。



↑キャンディーズの「When Will I See You Again(天使のささやき」〜
「That's the Way (I Like It)」(KC&ザ・サンシャイン・バンドのカヴァー)
が視聴できます。





キャンディーズ以外のディスコ歌謡は圧倒的に筒美京平作品が多い。
以下の曲は一例である。


平山三紀「熟れた果実」(橋本淳/筒美京平)1974
岩崎宏美「センチメンタル」1975「未来」1976「シンデレラ・ハネムーン」
     1978(すべて阿久悠/筒美京平)
南沙織「GET DOWN BABY」(安井かずみ/筒美京平)1975
浅野ゆう子「セクシー・バス・ストップ」(橋本淳/筒美京平)1976
シェリー「恋のハッスルジェット」(橋本淳/筒美京平)1976
麻丘めぐみ「夏八景」(阿久悠/筒美京平)1976
中原理恵「ディスコ・レディー」(松本隆./筒美京平)1978
桜田淳子「リップスティック」(松本隆./筒美京平)1978
山内恵美子「太陽は泣いている'78」(松本隆/筒美京平)1978




セクシー・バス・ストップ」はもともとインストゥルメンタルであった。
アメリカでバス・ストップというステップ(5)が流行り始めたので、日本で踊
れる曲を作ってしまおう、というのが企画の発端。

作曲依頼を受け筒美京平はフィリーソウルを支えたMFSB(6)の日本版を目指す。
林立夫(ds)鈴木茂(g)後藤次利(b)矢野顕子(kb)によるユニット、オリ
エンタル・エクスプレスを結成。ビクターから洋盤として発売したところ好評。



↑オリエンタル・エクスプレスの「セクシー・バス・ストップ」が聴けます。



歌詞を付けて浅野ゆう子に歌わせる案が出た。
初めは難色を示していた筒美京平も「橋本淳に作詞を依頼する」条件で了承。
浅野ゆう子の「セクシー・バス・ストップ」は自己最高セールスを記録した。




↑今や語られることもなくなったシェリーの「恋のハッスルジェット」。
いい曲なのに。これも元はオリエンタル・エクスプレスのインスト曲。




筒美京平はディスコ・ミュージックと歌謡曲との融合をいい塩梅で仕上げた。
それは彼がフィリー・ソウル以降のモダンなディスコ・ミュージックを理解
し、歌謡曲にうまく流用する(=パクる)術を持っていたからだ。(7)




たとえば1970年代前半のディスコ・サウンドは、クラビネットの歪んだアタ
ックの強い和音が入れておくと、スティーヴィー・ワンダーやコモドアーズ
のファンキーな感じが出る、とか。

アレンジャーの領域になるが、筒美京平はオーケストレーションもできるので
編曲まで手がけることも多かったという。(8)


筒美京平=ディスコ歌謡の認識は、彼がスリー・ディグリーズの曲を手がけ
日本でヒットさせた実績も評価されてのことだと思う。







日本で人気が高かったスリー・ディグリーズは親日的だった。
何度も来日公演を行なっており、来日時に「When Will I See Your Again
(天使のささやき)」の日本語盤をレコーディングしヒットさせている。

1975年には「にがい涙」(安井かずみ作詞、筒美京平作曲)を日本限定
で発売し、ヒットさせた。




↑スリー・ディグリーズの「にがい涙」が聴けます。


スリー・ディグリーズは来日すると歌番組に出演し、日本語でも歌った。
歌謡曲しか聴かない層もお茶の間で本場のソウルミュージックに触れ、
受け入れる体質が形成されて行ったのではないだろうか。

極論になるが、今日に至るまでの日本のブラック・ミュージック・ブーム
の上流には、スリー・ディグリーズと筒美京平があるのでははないか、と
さえ思えてくる。




ディスコ歌謡は1980年代に引き継がれる。
初めは1970年代後半から続くAOR、ブラコンの影響を受けた曲だった。


アン・ルイス「恋のブギ・ウギ・トレイン」(吉田美奈子/山下達郎)1979
鹿取容子「ゴーイン・バック・トゥ・チャイナ」(Pim Koopman) 1980
岩崎良美「ごめんね Darling」(尾崎亜美)1981
杏里「悲しみがとまらない」(康珍化/林哲司・編曲:角松敏生)1983





↑鹿取容子の「ゴーイン・バック・トゥ・チャイナ」が視聴できます。
これは振付ではなく、六本木で遊びまくってた人の踊り方です(笑)
曲はパトリース・ラッシェンの「Forget Me Nots」を彷彿させる。




↑岩崎良美「ごめんね Darling」が聴けます。
Darling〜のリフレインがアース・ウィンド&ファイアーの「 September」
のBa-du-da.ba-du-daと同じメロディ。
シンコペーションの付け方、スラップベースなどアレンジも似てる。




↑杏里の「悲しみがとまらない」が聴けます。
プロデューサーでもある角松敏生のアレンジが聴きどころ。




1980年代半ばからユーロビート色の強い曲が中心となる。
ヒュー・パジャム系の2拍・4拍を叩きつけるようなサウンドが特徴だ。


アン・ルイス「六本木心中」(湯川れい子/NOBODY)1984
田原俊彦「抱きしめて TONIGHT」(森浩美/筒美京平)1984
C-C-B 「Romanticが止まらない」(松本隆/筒美京平)1985




↑アン・ルイスの「六本木心中」が視聴できます。
六本木の大衆向けディスコではヘビロテで異様な盛り上がりだったとか。
ご当地ソングということ?




1980年代後半はユーロビートの洋楽カヴァーが多くなる。


荻野目洋子「ダンシング・ヒーロー」1985→アンジー・ゴールドのカヴァー
石井明美「CHA-CHA-CHA」1986→フィンツィ・コンティーニのカヴァー
本田美奈子「Heart Break」1987→?
森川由加里「SHOW ME」1987→カバー・ガールズのカヴァー
和田加奈子 Lucky Love」1988→カイリー・ミノーグのカヴァー

今聴くと、荻野目洋子以外は歌が下手。
本田美奈子は歌唱力が評価されてるが、この曲はピッチが不安定である。
ミュージカルをやるようになって上手になったのかな?
他の歌手はキャッチーな曲で一発ヒット狙いの雑な売り出し方で、充分
なボーカル・レッスンも受けていなかったのかもしれない。




1990年代に入るとM.C.ハマー、ボビー・ブラウンが人気を博し、若者はヒッ
プホップやラップ、またはハウス・ミュージックで踊るようになる。
踊る箱もジュリアナ東京やヴエルファーレなどバブル期の象徴のようなディ
スコから、クラブやDJバーへと移って行く。

日本の音楽シーンはJ-Popと呼ばれるようになり(9)、歌謡曲は懐メロとなる。
この時点でディスコ歌謡というジャンルは終わった。


<脚注>